香港藝術中心旗艦展覽「場域·碰撞·協作」登場 探索藝術的多重宇宙 藝術家跨領域對話
香港藝術中心，這座見證香港當代藝術發展逾四十載的地標建築，正經歷一場由內而外的轉化。旗艦展覽「場域·碰撞·協作」日前正式揭幕，七位／組藝術家及團體以四組軸線的形式，將18組作品分布於中心地面至四樓賽馬會展廊及四樓至五樓包氏畫廊，每一組作品皆為呼應場館而作。展覽不再是作品的靜態展示，而是藝術家、空間與觀眾共同參與的一場沉浸式實驗。
●文：香港文匯報記者 胡茜
「場域·碰撞·協作」，展覽標題中的三個詞語相互扣連，而居中的間隔號（·）並非分隔，而是連結，象徵三種狀態處於持續的動態關係之中。「場域」指向香港藝術中心的建築與歷史脈絡，強調創作對空間的回應；「碰撞」代表不同創作宇宙之間遭遇的催化時刻；「協作」則標示從對話與摩擦中生成的新可能。
本屆展覽由方敏兒擔任策展人，她表示：「我們相信藝術並非單向的欣賞，而是藝術家、作品、空間與觀眾之間持續交流與互動的過程。今年特意配對不同文化背景及創作領域的藝術家，讓他們以展覽空間作為語境，透過創作對話，看看可以衍生出怎樣的藝術多重宇宙。我們期待公眾不只成為觀賞者，更可積極參與其中，與藝術家及作品產生連結。」
四組藝術家各自攜獨特的藝術語言登場，表現形式涵蓋陶藝、繪畫、影像、互動裝置、數位藝術、科技藝術等，創作物料包括古建築碎片、回收廢物、塑膠片、魚線、霓虹燈、X光片等。經歷對話與碰撞後，兩種藝術語言展示共存、交疊或融合的狀態，甚至發展出意想不到的藝術呈現，孕育出彼此滲透的「第三種聲音」。
方力鈞33年後重返香港藝術中心
著名藝術家方力鈞時隔33年重返香港藝術中心，1993年，他曾於此舉辦首次香港展覽。此番他於中心大堂展出以海洋廢棄物創作的「海洋生態系列」，作品此前曾於曼谷及上海等地展出，此次為首次在香港亮相。系列中《2025–2026版》以巨幅平面（3.5×4.5米）展開，猶如一幅由海洋廢棄物編織而成的當代掛毯，被海水磨蝕的塑膠浮球、嵌入漁網的柔韌網格，在光線折射下構成一件具有紀念性的場域裝置。
《2026版》則為球狀，方力鈞將人類活動的殘餘轉化為一顆自給自足的微型天體，讓「星球」意象由宇宙「降落」至大氣層下的人類生活。作品設於入口中庭，如同藉此作出宣言：當代藝術最迫切的姿態，或許並非其複雜性，而是其近在咫尺，坐落於公眾已然所在之處。
這次展覽中，策展人將方力鈞與「公眾」進行配對，以「拾海凝星」來建構他們之間的關係。藝術家以作品回應環境議題，相呼應地，展覽特設由佰事得設計工作室主持的共創工作坊，公眾可以到港島大浪灣進行海岸清潔，以拾來的塑膠廢物轉化為創作材料。他們創造出的大型藝術裝置將與方力鈞的藝術品並置展出。公眾，成為了這場展覽的真正參與者之一。
陳育強×松井紫朗：一面之緣的宇宙對話
香港藝術家陳育強與日本藝術家松井紫朗，實際之前只有一面之緣，策展人憑直覺看到他們相似的創作軌跡，以及皆投身大學教學多年的經歷。二人皆多透過創作叩問人類生命與宇宙之間的關係，這次被配對在一起，看來相得益彰。陳育強將山水主題轉譯為由霓虹燈、數碼影像、陶器、裝置與繪畫構成的當代場域。《栽光種》《昇》《夜燭》把目光從肉眼可見的自然風景移向心靈對宇宙的哲學想像；《應天谷》演繹對遙遠宇宙的幻想；《月球的誕生》《原力場》（一）（二）以岩彩粒子描繪星球圓形，逐步鋪陳內心的宇宙景象；《體與洞》更引入量子物理學，成為科學、哲學與藝術交匯的當代語境。
松井紫朗則以陶瓷、木材、玻璃、銅與水等物料，將藝術視為造物之道。《太空時代的太湖石》利用陶瓷、玻璃與水重塑古代文人賞石體驗；《黑洞》以象徵自然的元素在日常空間構築一座宇宙模型，將神秘莫測的宇宙轉化為可感知的物質現實。
馮永基×PRS：身體、記憶與數碼光影的三幕敘事
建築師兼當代水墨藝術家馮永基，與擅長數碼藝術及舞台設計的PRS（Picture Rhythm Studios），形成跨世代、跨領域的對照。他們以香港作為方法，以空間作為命題，在歷史與未來、自然與身體、光影與記憶之間持續對話。這組創作分為三幕：「內投與投射憶記」「無邊界的未來想像」「剪影與疊影——觀者的最終敘事」。首幕中，馮永基的《投射》以136對舊瓦片作為經緯，分別對應香港136處具有歷史意義的地點，以海港輪廓為隱喻，構築可供觀眾穿行的沉浸式體驗。《內投》以馮氏身體X光片為底本，轉化為燈箱裝置，讓骨骼結構成為空間結構，身體記憶化為點點印記。PRS則以馮氏水墨筆觸為基礎，利用數碼工具創作水光投影介入記憶場域—— 水的流動、反射與不穩定，與瓦片代表的固定、沉積和歷史重量形成對照。
第二幕「無邊界的未來想像」中，PRS以香港藝術中心獨有的空間解構為基調，LED燈光將展場轉化為一座既熟悉又異質的未來場域，屏幕將房間變為具有流動感的空間，城市成為持續生成的動態系統。第三幕終章則落腳於那道銳利的轉角樓梯下，PRS的投影將城市天際線傾瀉於建築稜角之上，馮氏的遺產瓦片則以漂浮姿態懸於對立面，形成歷史遺存與當代影像的張力對位。
PRS成員Zoe說：「本次體驗設計涵蓋外部區域、現場空間及樓梯轉角位三處空間，為各空間選配合適音樂，串聯整體展覽敘事。設計靈感源於希望打造『香港的家』的構想。項目以藝術中心作為場地，透過空間設計詮釋家的感受。設計上着力營造留白的觀展空間，引導觀眾的觀賞位置；場內裝置全部手工製作，LED 燈亦為手工接駁，共使用23,000個燈泡。我們團隊與建築師馮永基展開創作對話，以水紋、圖像和像素作為創作媒介，希望藉像素留白體現雙方的創作交流。作品的敘事動線由香港切入，銜接人與藝術中心的關聯。」
馮永基則表示：「我一直將水墨與自己的身體建立內在聯結。這件作品的素材來自我連續20年每年體檢留存的X光片，這屬於個人醫療資料，無法向外借用，素材僅有一套，只可使用一次，也不能複製為多件作品。創作上我直接裁剪、疊加自己的X光片，將骨骼與身體影像改造拼接成山水畫面，不再額外描摹加工，而是把個人身體轉化為水墨山水，實現身體與山水相融。傳統水墨依賴筆墨紙張，而這件作品將山水內化於自己身體之中，作品意象亦與維多利亞港有所關聯，表達水墨存於內心、身體與山海相通的藝術理念。」
Juri Hwang×Andreas Kratky：演算科技與母系記憶的交織
Juri Hwang與Andreas Kratky，是一對分別來自韓國及德國的藝術家couple，在這次展覽中，他們合作交織科技與身體經驗、演算與記憶、空間感知與家庭歷史。
Hwang的《Vinegar Mother》是藝術家與已故母親及家鄉母輩之間最後的合作與活檔案——在傳統消逝的時代，幾位韓國年老母親頑強守護着釀醋工藝。標題「醋母」兼具雙重意義：科學上指將酒轉化為醋的共生菌落，生命層面則代表支撐起整個世系的堅韌母親。
Andreas Kratky的《Passages》系列則回應香港藝術中心獨特的空間特質，建構一幅香港潛在地誌。《Passages 1: Time》設於四樓與五樓之間的空間，化觀眾動線為作品核心機制，行為模式被即時擷取為演算法的時間變量；《Passages 2: Space》中，AI生成的香港鬧市剪影投射於不規則牆面，熟悉街景被解構為幾何線條與光影，觀眾每次移動皆觸發影像微妙回應，讓「觀看」轉化為「置身其中」。
二人共同創作的《π-walks》，援引圓周率π的循環性，將來自不同地點與時間的共存瞬間匯聚成共享且不斷演化的連續體——它回到熟悉的坐標，卻不以完全相同的方式抵達，呼應當代生活中自我關注與孤立處境之間的張力。
